Знаете ли колко вълнуваща е историята на изкуството?

Знаете ли колко вълнуваща е историята на изкуството?
Знаете ли колко вълнуваща е историята на изкуството?
Anonim

Миналата година вече научихме тайни и интересни факти за шедьовъра на Хиероним Бош, Градината на красотите, но разбира се, в никакъв случай не е уникално, че старите майстори са рисували скрити интерпретации или детайли, които са били ясно разбираеми за наблюдателите тогава, но сега изглеждат мистериозни. В новата си книга „Изкуството в детайли: 100 шедьовъра“британският историк на изкуството Сузи Ходж е събрала и обяснила точно такива особености в шедьоври като „Викът“на Едвард Мунк, „Смеещият се рицар“на Франс Халс или „Придворните дами“на Веласкес.

„Наистина големи картини не могат да бъдат разгледани с един поглед. „Любителите на изкуството искат да виждат и преосмислят тези картини отново и отново, като често се връщат към тях през целия си живот, за да откриват нови и нови дълбочини в тях и може би да преоценят предишните си мнения“, казва авторът, който казва, че дори разглеждането на картина като цяло е правилен начин за тълкуване на изкуството, но по-задълбочено разбиране на тях често е възможно само чрез подробен анализ. След сгъването показваме някои примери за темите, които можете да намерите в 100-те картини - включително произведенията на Полок, Курбе, Моне, Мондриан, Ел Греко, ван Ейк - и от книгата, включваща 700 цветни илюстрации, които можете да закупите като щракнете тук за $35 (малко над 10 000 за HUF), можете да го поръчате.

Едвард Мунк: Викът

Едно от най-запомнящите се и трайни произведения в историята на съвременното изкуство е нарисувано от норвежкия художник експресионист Едвард Мунк през 1893 г.Според wikipédia.org произведението е създадено като част от поредица от картини Der Schrei der Natur (Писъкът на природата), които Мунк рисува между 1893 и 1910 г., всяка от които показва изкривена фигура на скелет с отворена уста, изобразяваща страхът от смъртта с оранжево небе на заден план. Между другото, фонът на снимката е фиордът на Осло.

За щастие Мунк е водил дневник, така че можем да разберем и какво го е вдъхновило да нарисува картината: „Една вечер вървях по пешеходната пътека, когато градът беше от едната страна, а фиордът отдолу. Чувствах се уморен и болен. Спрях и погледнах към фиорда - слънцето тъкмо залязваше, когато небето стана кървавочервено. Усетих писък да се изтръгва от пейзажа и ми се стори, че го чувам. Нарисувах картината и кървавочервените облаци. Цветовете почти крещяха. Ето как се появи "Викът", пише авторът за своите преживявания.

За външния наблюдател, ужасената фигура с легендарното лице, близостта на черния фиорд и апокалиптичното небе са първите, които се появяват, но сенчестите фигури, които вървят на заден план, са по-малко забележими.Въпреки че изглеждат зловещи, в действителност снимката показва двама от приятелите на Мунк, които са били с него на моста, но не им пука от гледката. „Вървях по пътя с двама приятели – слънцето залязваше – небето внезапно стана кървавочервено – спрях, чувствайки се изтощен и се облегнах на парапета – който беше кървав и пламъци се изстрелваха над синьо-черните фиорди и града - приятелите ми вървяха там и аз стоях там с треперещо безпокойство - и усетих, че привидно безкрайният писък е просто моментно усещане" - разказа художникът за преживяното.

Викът е създаден през 1893 г

Франс Халс: Смеещият се рицар

Една от най-великите фигури на европейската портретна живопис през холандския Златен век рисува своите картини с изключителни детайли. Това важи особено за картината на този човек с иронична и загадъчна усмивка. Главният герой все още е непознат за историците на изкуството, латинският текст в горния десен ъгъл на картината разкрива само, че е направена през 1624 г., а мъжът на снимката тогава е бил на 26 години.

Картината първоначално няма заглавие, нарича се просто Portrait d'un homme (Портрет на мъж), след което през 1791 г. отива във Франция, където е известна като Кавалерът. Не след дълго картината е изложена и в Лондон, където получава страхотни отзиви, благодарение на които от 1888 г. можем да я наричаме Смеещият се рицар. Въпреки че не знаем нищо за палавия рицар на Халс, мечът със златна дръжка, държан в лявата му ръка, предполага, че на снимката може да се види опитен майстор на меча, от което следва, че художникът вероятно е обезсмъртил благородник.йени

Рицарят на Халс ни се смее от 1624 г

Ханс Холбайн Младши: Последователи

Холбайн е член на второто поколение немски ренесансови майстори, последният велик художник на Реформацията. Предметите, ежедневните инструменти или домашните украшения, които се открояват в неговите портрети, свидетелстват за богатата материална култура на неговото време.Творбата, озаглавена „Последователи“, рисувана през 1533 г., е постоянен предмет на дебат сред историците на изкуството, които размишляват много върху символичното значение на мъжете, облегнати на масата, или скъсаната струна на лютнята, която също е символ на дисхармония. Сред предметите, поставени на масата, ясно се откроява преводът на песенника на Мартон Лутер, с който може би художникът е искал да отрази типичните за епохата религиозни борби. Но глобусите също са изрисувани с невероятни детайли, върху които също са посочени имената на държавите и моретата.

Зрителите често пренебрегват разтегнатия череп в средата на долната част на картината, поради което „Последователите“на Холбайн се смята за най-известната картина, използваща анаморфоза. И удължената, аморфна форма също трябва да бъде значима, защото се появява там без смисъл, но доминира в долната част на картината. Изненадващият детайл ще бъде разбран, ако го погледнете не от обичайния ъгъл, а отстрани на картината, пристъпвайки съвсем близо и навеждайки се, отдолу и от стръмен ъгъл, защото тогава изплува образът на човешки череп от то.Което също има символично значение, тъй като представянето на черепа в подобни изображения подчертава „memento mori“, т.е. преходността на живота“, пише cnn.com за предшественика на 3D рисунките.

Историците на изкуството все още не знаят защо Холбайн е поставил черепа там в тази форма, според някои анализатори това е само защото първоначално картината му е трябвало да бъде до стълбище, където биха могли да се качат онези, които се качват видях черепа от правилната гледна точка. Други просто смятат, че Холбайн е искал да покаже таланта си по този начин и се е надявал да спечели повече пари от сложната работа.

Картината, нарисувана през 1533 г., повдига много въпроси

Ян ван Ейк: Двойката Арнолфини

Фламандският художник е една от най-забележителните фигури на ранната нидерландска живопис. Дори най-противоречивите му творби, особено сложният портрет на този богат търговец Джовани ди Николао Арнолфини и съпругата му, вдъхновяват много по-късни художници.Тази маслена картина, създадена през 1434 г., подобно на предишните творби, е известна с няколко заглавия, наречена е сватбата на Арнолфини, двойният портрет на Арнолфини и Джовани Арнолфини и съпругата му за известно време.

Картината на италиански търговец и съпругата му, позиращи в дома им в Брюж, се смята за едно от най-завършените и оригинални произведения на западната живопис. Той се слави от мнозина заради забележителното си изобразяване, детайлна работа и перфектно използване на светлината, която изпълва интериора, но за разлика от своите предшественици и съвременници, Ван Ейк подписва и датира своята картина, например, той гравира това малко нахално послание над реалистичното огледало: "Johannes de Eyck fuit hic 1434", т.е. "Johannes van Eyck е бил тук през 1434 г.".

Според някои анализатори италианският търговец е бил приятел на художника, тъй като той се появява и в друга картина на Ван Ейк. Главните герои на картината са очевидно богати хора, облечени в скъпи дрехи с кожи и позиращи с бижута сред луксозните мебели, оранжевия, ориенталския килим и елегантния полилей.Картината, изобразяваща заможни граждани, е пътувала много през миналите векове, дълго време е била собственост на моделите, след това е била окачена от Дон Диего де Гевара, Маргарет Австрийска, Мария Хабсбург, II. Филип и IV. Също така на стената на британския крал Джордж. В момента е собственост на Националната галерия в Лондон, те го купиха за £600 на изложба.

Ето как живееха Арнолфини в средата на 1400 г

Жак-Луи Давид: Клетвата на Хорацианците

Френският художник се счита за водеща фигура на класицизма. Не само съдържанието, но и композицията на неговия шедьовър, рисуван през 1784 г., е новаторство в професията. Според wikipedia.org, героите са подредени един до друг като статуи, като цялото нещо създава ефекта на гледане на сцена от пиеса.

Картината на художника, който е роден в семейство от средната класа, показва сцената, когато римските братя, влизащи в битка, полагат клетва на баща си и се заричат ​​да победят Куриациите, които дори са смятани за врагове с цената на живота си.С изключителна чувствителност Давид показва напрежението между решимостта на патриотите, които отиват в битка, и тъжните жени, утешаващи децата си, композирани от противоположната страна на картината, която има символично значение: символизира патриотизъм, морална сила, чувство за дълг и приемане на смъртта в същото време.

Римляни, влизащи в битка и скърбящи жени в картина на Жак-Луи Давид

Жорж де Ла Тур: Свети Йосиф с детето Исус

Ранните картини на френския художник, повлияни от Караваджо, създадени в първия основен период от епохата на барока, се характеризират с богатство на детайли и специфична цветова схема. Художникът рисува един от своите шедьоври през 1645 г., в който Исус помага на баща си в дърводелството. Темата "Исус носи светлина в тъмнината" също е символична в случая, както вдигнатата лява ръка означава и благословия за католиците. И така, чрез тази интимна сцена художникът иска да предаде чистотата и слабостта на нежното и спокойно дете в сравнение с трудолюбивия възрастен образ.Според някои анализатори, парчето дърво, върху което Йозеф работи толкова пламенно пред тъмния фон, изглежда като разпятие.

Свети Йосиф и Исус в картина на Жорж дьо Ла Тур

Диего Веласкес: Придворните дами

Испанският художник стои през 1623 г. IV. В служба на крал Филип, където до края на живота си рисува картини на кралското семейство, поддръжката на двора и испанската аристокрация. Неговата картина, направена през 1656 г., е много по-сложна от традиционен портрет, тъй като на снимката виждаме художника да работи, който може да рисува портрет на кралската двойка (Филип IV и Мариана Австрийска) - поне това може да се познае от изображението на огледалото на задната стена. В центъра на сцената е дъщеря им, бебето Маргарета, която вероятно търси родителите си, придружена от придворните дами и придворните джуджета, но шоуто несъмнено е откраднато от нея, бебето в бяла рокля, със златни коса, която хваща окото на зрителя за няколко минути.Според историците на изкуството, художникът е оставил открити много въпроси по време на рисуването на творбата, например невъзможно е да се реши дали обектът, който се вижда на задната стена, е огледало, в което се отразява кралската двойка, стояща като модел, или изображението им, нарисувано върху платно, чрез което кралят и кралицата присъстват в цялата сцена, без реално да са изобразени. Специалният интерес на картината е, че композицията повдига въпроса кой е създателят, след като Веласкес се гледа отвън и е нарисуван върху картината, докато това е единственият известен автопортрет на Веласкес.

Популярна тема